LA FOTOGRAFÍA EN LAS AULAS - Una aventura cotidiana

La Comprensión y Producción de Textos Icónicos y las Rutas de Aprendizaje

Entendemos las rutas de aprendizaje como herramientas metodológicas que brindan orientaciones para la labor pedagógica concretada en las sesiones de clase con el propósito de desarrollar la enseñanza efectiva de los Aprendizajes Fundamentales. Tenemos que tener muy presente los mapas de progreso para la construcción de las mismas.

Inciden en la fundamentación del área, competencias, capacidades, estrategias e indicadores de desempeño.

La comprensión y producción de textos icónicos tienen una relación estrecha con las Rutas de Aprendizaje pues se trata de textos de tipo discontinuo que nuestros estudiantes deben comprender y producir en función del mensaje que desea comunicar considerando el enfoque comunicativo funcional, centrado en situaciones reales.

Los principios planteados en las rutas respecto de la comprensión de textos icónicos y que he tenido en cuenta y que pienso aplicar en mí práctica son:

 Interactuar en situaciones de lectura- Utilizo textos discontinuos como afiches, Infografías y Foto leyenda (Foto palabra) partiendo de situaciones reales de comunicación los textos usados son parte de su cotidianidad. Hemos analizado y producido afiches publicitarios, afiches con el tema “América te quiero justa y libre”, Infografías sobre las escuelas literarias, Foto leyenda “Yo soy”, etc.

Fijar objetivos- Tengo claro que el lenguaje audiovisual y particularmente los textos visuales requieren una lectura holística y los objetivos deben se explícitos para potenciar el pensamiento abstracto y creativo de mis estudiantes. He trabajado la producción fílmica de guiones con temas de amor. Allí han actuado, hecho música y filmados espacios públicos y privados.

Favorecer el desarrollo de todas las habilidades comunicativas- En virtud de este principio las actividades que desarrollo son globalizadas e integrales, partimos de la comprensión de textos icónicos y la producción de los mismos.

Emplear diversos tipos de textos- Este principio en el que se trabaja con textos auténticos que los estudiantes encuentran en su entorno sociocultural, lo relaciono con el primer principio de interactuar en situaciones de lectura. Aplicando el lenguaje audiovisua usamos afiches de productos comerciales o campañas políticas o medioambientales, revistas de todo tipo, imágenes novedosas y con significado polisémico así como analizamos telenovelas, programas de entrevistas y películas.

Estrategia didáctica más empleada en la enseñanza de la imagen fija

La estrategia didáctica que más empleo en mi práctica pedagógica es La Historieta, que la entiendo como la presentación secuenciada de imágenes que narran una historia determinada. La uso para la comprensión de textos, pues primero leen obras literarias que luego las expresan en el lenguaje de las historietas, de acuerdo a lo comprendido. También cuando se trata de abordar problemática de su entorno y para crear sus propias historias.

Tomo en cuenta varias de las características que plantea el Ministerio de Educación del Perú (1999), como: Narración rápida, Reproducción del lenguaje coloquial, Frases cortas, Expresiones populares, Hipérboles, ironías, comparaciones. Estas son las que he considerado pertinentes a la estrategia aplicada.

Las prefiero como estrategia porque: Guarda la estructura del cuento o una novela, Está compuesta por elementos verbales e icónicos, Posee elementos narrativos y dialogados más extensos, Pueden ser de diversos tipos: mitológicas, históricas, políticas, de ciencia ficción, románticas etc. emplea recursos narrativos y literarios. Finalmente la trabajamos con viñetas que contienen la imagen y el globo donde se colocan los textos.

B) Elementos.

Viñetas: Es la unidad mínima de la historieta que contiene la imagen y el globo.

Imagen o dibujo: Es la representación del personaje o personajes de la historia, ubicada en un contexto determinado.

Globo: Es el espacio en donde figuran los diálogos de los personajes. La forma o estructura de los mismos varía de acuerdo a lo que el emisor desea transmitir. Por ejemplo, un globo con forma de nube implica pensamiento, mientras que uno que tiene líneas continuas implica diálogo. Tal como se presenta a continuación.

C) Uso didáctico

Puede emplearse para producir textos discontinuos vinculados a intereses de los estudiantes, para conocer su mundo interior.

También puede emplearse como una estrategia de sensibilización sobre problemas del entorno local, nacional o internacional.

Versos. Varios poetas de grupo surgido en década de 1980 se reunieron después de varios años

Kloaka en El Averno

nunciaron próximo libro antológico por su trigésimo aniversario

Vates. De izq. a der. Guillermo Gutiérrez, Julio Heredia, Mary Soto, Domingo de Ramos, Roger Santiváñez, Dalmacia Ruiz-Rosas y el guardián de El Averno.

La reunión de los poetas de Kloaka fue, como no podía ser de otro modo, en un clásico local de Quilca. Sus versos, que impactaron en la década de 1980 por su uso de jerga callejera y vocablos de alto calibre, volaron esa noche en un recital que los reunía después de varios años en las paredes con grafitis del conocido centro cultural El Averno. Esta velada fue la primera reunión luego de buen tiempo, y será la primera de una serie de actividades por su trigésimp aniversario, que incluirá un libro antológico del grupo editado en Estados Unidos.

Versos libres

Leyó primero Róger Santiváñez, uno de los fundadores, acompañado en una actuación donde la invitada Soledad Piqueras mostró el alma ensangrentada. Fue turno luego de Domingo de Ramos, quien compartió esa suerte de traumático tránsito a la adultez que es su poema "De la madre".

Subió Dalmacia Ruiz-Rosas, en satírica intervención con versos de un libro aun inédito, pero donde discurre la historia misma de Kloaka. "This poem is for you / Mr. President Kloaka", reza en inglés.

Mary Soto, prefirió un poema antiguo donde mezcla quechua con español, que indirectamente nos hace pensar en la fuerza contestataria que solo tiene la poesía: "Tu voz se expande lenao en cada puerta que se cierra en mis narices".

Julio Heredia leyó su homenaje a Chabuca Granda, "Los trovadores": "un poeta, aprendí mirándote, nace con su melodía", dice su verso. Luego destacó a una de las influencias del grupo, Juan Gonzalo Rose: "Nunca fuiste triste porque en ti no había despedida", dedicó al compañero de letras.

El cierre de la noche le correspondió a Guillermo Gutiérrez, siempre el más radical, al punto de no ser afecto a los recitales de poesía.

Una fiesta, pero ética

En un balance de estos años, Domingo de Ramos considera que el valor del grupo fue "el hecho histórico de aparecer en un momento muy grave". Esos momentos de irrupción, de "asumir postulados", que cree tuvieron su correlato en "los grupos de rock subterráneo". Y las fusiones y el lenguaje de Del Pueblo, que tocó minutos después, son prueba de ello.

Julio Heredia mira la calle Quilca, por si acaso viene él mismo cuando era joven caminando por allí. "Tengo el recuerdo satisfactorio de haber actuado cuando éramos jóvenes y debíamos actuar. A los veinte años podíamos ser delirantes e irresponsables, pero hoy somos conscientes de la responsabilidad que tenemos: las nuevas generaciones nos ven como hermanos mayores", afirma.

Para Mary Soto, no es fácil llevar el estigma de haber pertenecido al grupo, pero sí la coexistencia dentro de él. "A pesar de tener un pensamiento político diferente, seguimos unidos", afirma. Dalmacia Ruiz-Rosas le toma el brazo y me dice: "toma la foto como si estuviéramos en una fiesta". Y estamos en una, eterna como los versos.

Historia de un movimiento

En 1982 Róger Santiváñez y Mariela Dreyfus crearon el grupo Kloaka junto a Edián Novoa y Guillermo Gutiérrez Lyma. Posteriormente se integran Domingo de Ramos, José Alberto Velarde, Mary Soto, Julio Heredia y el pintor Enrique Polanco. En una siguiente etapa se sumaron Dalmacia Ruiz-Rosas y José Antonio Mazzotti.

GATAS LIBRES, MIMOSAS Y REBELDES

Renacimiento y Barroco en España

A continuación un excelente video sobre representantes del Renacimiento en España en cada una de las disciplinas literarias, así como sobre el Barroco español:

El llamado Siglo de Oro, es el período histórico y literario más importante de España, que sucede a la Edad Media en Europa, conocido como el Renacimiento, y comprende todo el siglo XVI [2]. Los escritores del Renacimiento adoptaron como modelos que debían ser imitados a los escritores de la antigüedad clásica, y a grandes italianos del siglo XIV, como Dante y Petrarca[3]. La filosofía que más influye en ese período es el Neoplatonismo, para quienes todas las cosas son un reflejo de la Belleza, es decir, de la Divinidad, porque el hombre es un ser imperfecto y busca elevarse por medio de la contemplación de las cosas bellas, como la naturaleza, el arte, la mujer, y el amor intelectual y puro, no pasional, en donde el hombre es la medida de todas las cosas, por ello los poetas cantan al amor humano.

Con Garcilaso De La Vega[4] (1501-1536), se inicia ese siglo. Es un poeta petrarquista, tanto en la forma (nuevos versos y estrofas) como en el contenido (neoplatonismo). Adapta las formas italianas, utilizando el verso endecasílabo y los recursos típicos de la poesía italiana como el soneto, terceto, la canción, la lira, la rima interna y los versos sueltos, que reflejan el estilo y tono de la poesía neolatina del Renacimiento.
De las características más importantes de la poesía de Gracilazo se destacan: la búsqueda de la perfección, la musicalidad, la suavidad, el equilibrio y la elegancia en el estilo, que son marcas renacentistas. Observamos en los sonetos el cuidado de la forma; sin embargo ello no debía ser más importante que la emoción lírica y la comunicación de sentimientos, lo que le imprime a su poesía un tono intimista o solipsista.

De las características más importantes de la poesía de Gracilazo se destacan: la búsqueda de la perfección, la musicalidad, la suavidad, el equilibrio y la elegancia en el estilo, que son marcas renacentistas. Observamos en los sonetos el cuidado de la forma; sin embargo ello no debía ser más importante que la emoción lírica y la comunicación de sentimientos, lo que le imprime a su poesía un tono intimista o solipsista.

Contrastando los dos períodos, se puede definir el Renacimiento (1492-1598) como un período abierto, es decir, internacional, pagano, neo-clásico, italianizante y alegre. El Barroco (1598-1700) en tanto, es un período cerrado, nacionalista, hispanizante, cristiano, decadentista y de desengaño. En este período se produce el renacimiento de las letras clásicas y el énfasis en lo secular, lo pagano y lo humano, incorporando el Humanismo, donde se afirma la dignidad del hombre y su capacidad de superación, por medio de la razón, pero también el placer de las cosas terrenales, lo mundano, lo carnal, que se refleja en la cultura y en casi todas las artes[8]. Es un arte contradictorio, de desorden y de incertidumbre. Sin embargo, no puede clasificarse de bueno o malo en sí mismo, sino producto del descontento con las formas del pasado. Tampoco, según Wellek, el término barroco, puede ser reducido a un período o estilo específico, debido a que puede ser determinado tanto por el estilo, por una parte, y por las categorías ideológicas o actitudes emocionales, por otra, que al combinarse manifiestan una definida visión del mundo.[9]

En ese sentido, el barroco literario, en líneas generales[10], siguen principalmente dos movimientos diferentes que recargan el estilo para conseguir mayor belleza o significación: el culteranismo y el conceptismo. Quevedo y Góngora son los máximos representantes de estos movimientos culturales.Por un lado, el culteranismo se preocupa fundamentalmente por la forma, y sus recursos son el cultismo, perífrasis, metáforas, retruécano y el hipérbaton. Se utiliza sólo el verso con profusión de metáforas y el uso exagerado del hipérbaton. Se considera un arte de minorías por su lenguaje oscuro. Unos, como Quevedo, quien cultiva la crítica, proponiendo modelos de conducta, tienen un sentido pesimista y sus obras tratan sobre la vanidad y lo transitorio de las glorias humanas; otros, como Góngora, dan mucha importancia a las formas artísticas.

El conceptismo, por su parte, y cuyo mayor representante fue Francisco de Quevedo Villegas (1580-1640), profundiza en el sentido o concepto de las palabras, ponen más énfasis en el fondo y las palabras, en sus múltiples significaciones. Se utilizó en el verso y en la prosa. Se puede definir como una agudeza mental que da preferencia a las ideas. Sus recursos frecuentes son las metáforas, no para embellecer, como el culteranismo, sino para impresionar la inteligencia en la utilización de una misma palabra con significados diferentes, o decir mucho con pocas palabras. El estilo es breve y conciso, que se logra mediante la elipsis, antítesis, frases o ideas, con el fin de agudizar la mente.

En ¡Cuán frágil es la vida!, Quevedo desarrolla la idea de la brevedad de la vida y su carácter pasajero. Aunque fue una idea que tocan todos los poetas desde la Edad Media; en la época barroca conduce a un sentimiento de desolación y desengaño. Sobre todo por una visión pesimista sobre la vida breve y fugaz: “(…) ¡Cómo de entre mis manos te resbalas!/ ¡Oh, cómo te deslizas, edad mía!(…)”, donde el hombre es un ser aquejado de miserias y pasiones, y cuyo fin es la muerte. La renuncia sólo puede resolverse con la muerte. Hatzsfeld le llama el concepto barroco del tiempo-eternidad, que es fundamental en el ser del hombre barroco.( Hatzfeld: 116)

A manera de conclusión, las diferencias entre el Renacimiento y el Barroco, pudieran centrarse en la visión que se tiene del mundo, es decir, optimista o pesimista, respectivamente. Con respecto a las clasificaciones, Wellek dice que: “Probablemente sea necesario abandonar los intentos de definición del barroco en términos puramente estilísticos. Hay que reconocer que todos los artificios estilísticos pueden aparecer en casi todas las épocas.” (Wellek: 84). ¿Es posible, entonces, reconocer “el alma barroca” entre Garcilaso y Quevedo? Siendo ambos de épocas diferentes, no obstante, se observa en sus poesías cierta unificación de la sensibilidad, lo cual es estimable en todo poeta, donde ocurre una suma de lo emocional y lo intelectual. Gacilaso y Quevedo nos muestran, cada uno en su estilo y época, una visión compartida con un trasfondo metafísico ¾ equivalente al claroscuro que se aprecia en la plástica y en el teatro en la “mutua elucidación de las artes”; a ese aspecto se refiere H. Hatzfeld como “el espíritu de época”, y que es necesario para comprender el barroco.

En ese sentido, según mi apreciación, y de acuerdo a lo expresado por Wellek, en cuanto al problema de enmarcar a un autor dentro de un período o estilo determinado, o definir cada período[11], Gacilaso no pareciera encajar en la concepción general del pensamiento renacentista, lo que hace pensar ( y constituye una disgregación de mi parte) con relación a si Gacilaso, que indiscutiblemente es del Renacimiento, no fue más bien un adelantado, que lo acerca más al Barroco. Tal apreciación proviene de lo que hemos venido diciendo sobre el barroco, de manera reiterada por Wellek. También es importante lo que al respecto dice H. Hatzfeld: “Es sabido que las nociones ideológicas sobre la vida correspondientes a una determinada época se manifiestan de modo análogo en los motivos literarios y plásticos: las formas internas de cultura, conceptuales y fundamentales, se exteriorizan a través de medios diferentes, pero con recursos estilísticos similares, desde el momento en que las humanas actitudes y las respuestas simbólicas a los misterios de la vida han de encarnar necesariamente en signos verbales e iconográficos paralelos” (Hatzfeld: 108), lo cual concuerda con lo dicho por Wellek.

Es importante, entonces, también considerar, digamos “la vigencia” de ese espíritu en nuestra época; tal apreciación proviene de una sensación de paralelismo con la inconsistencia del mundo actual, la desesperanza, la melancolía, y en fin, por la sensación de abandono; lo que significaría que el espíritu barroco corresponde más que a una época, a una visión del mundo en el que cada quien vive, y que como en el pasado, sirve para justificar cierta sensibilidad artística que mitigue las tristezas de la vida, y principalmente, el horror de la muerte y la certeza de lo ínfimo del ser.Fuente:

http://reflexionesliterarias-odisea.blogspot.com/2007/02/el-renacimiento-y-el-barroco.html

MARIA ELIANA

Las mañanas de Iquique son muy frías, el agua ruge a lo lejos golpeando la costa de la mar brava y algo se mete dentro de uno como de sal, como de piedra, como de dolor.

Este día especialmente frío y sombrío transcurrió en mi alma con mucha pausa y melancolía. Llegada ya la noche, con las alas de la oscuridad recaló el moscardón de la muerte, zumbaba testarudo en el patio sobre los cactus y las cantutas. En el viejo tronco donde se prenden las velas.

La puerta de la infancia se abre y a la distancia la congoja de Juana me alcanza y pronto con ella la noticia.

¡María Eliana ha muerto! Así tan contundente como una pedrada en el canchón, como los rayos y truenos de febrero. El aguacero porfiado sobre el techo de la casa. Murió sola en su pieza de una ciudad hostil, allí en la ruta de la salida del pueblo que tanto amamos.

                       …muñequita de piedra y brisa
                        niña sola que cambiaste
                        tus tristezas por sonrisas…

Los días de carnaval, corría al mando de un gran grupo de chiquillos, con un impermeable negro demasiado grande y largo, mojando por doquier, aterrorizándonos con el agua helada y riendo locamente por las calles invernales de Canta.

Su madre la tuvo sola y así creció María Eliana camino a Waytara, entre carneritos y el pasto verdecito. Corriendo, sufriendo, cantando y soñando. Atravesando sin temor esos días de inocencia, sin entender las miradas que juzgan ni las palabras que hieren a una niña de madre sola.

                        …muñequita sin nombre
                       te robaste el color de las antarupas
                       y el vuelo frágil de las mariposas
                      muñequita azul no te vayas saltando
                       hay que seguir jugando…

En la fiesta de setiembre muchas veces fuimos parte de la gran rueda que recorre el pueblo al son de la banda. Cada año éramos más grandes y poco a poco empezaron a tomarnos en cuenta los muchachos. Nosotras teníamos un grupo que se formó como se moldea una escultura, primero sin formas definidas y luego con una belleza que brota y conmueve en silencio

Sin ponernos de acuerdo pasábamos los inviernos en el campo bajo la lluvia, conversábamos con complicidad en las calles, jugábamos carnavales, subíamos todos los años a Cantamarca, bajábamos al río en Obrajillo y aprendimos a fumar y a beber pequeños sorbos de ron que Bertha ocultaba en su casaca. Así nos hicimos mujeres todas, contando siempre con nosotras mismas como si fuéramos una. Venciendo distancias, tiempos e indiferencias.

Y llegó la estación del amor al campito verde de María Eliana y cual viento ennegrecido que todo lo lleva, arrancó con sus besos su hermosura, deshojo los alhelíes de sus cabellos y se fue sin mirar atrás, dejándola sola y trémula,  sola y con la mirada ausente. La maledicencia de un pueblo chico y el tiempo tejieron a su modo su ajado dolor.

Sus ojos sólo bailaban cuando se encontraba con aquellas niñas que crecieron juntas persiguiendo las nubes en el cielo, con las mujeres que aprendieron la vida tomadas de la mano en una rueda, en un pueblo pequeño, allá en la sierra de Lima.

                     …muñequita de niña pobre
                       no te vayas en vuelo al cielo
                       es lejos y ya no podrás volver…

María Eliana ha muerto y a mí se me parte el pecho en tantos pedazos que temo no volver a juntarlos. Se me hace añicos el alma y ya no sé cómo se sigue sin los días de la infancia, sin el eco de nuestras risas devuelto por los cerros.

                        … muñequita juguetona y brava
                        vamos a cantar en tu setiembre
                       “adiós juventud vida pasajera
                       de tanto florecer te vas marchitando”…

Cantemos aquí en Iquique. Aquí tan lejos, donde sólo nos acompaña el mar.

Mary Soto
06 -09-2011.

“Los artistas somos la piel de la nación”: Entrevista con Mary Soto

Entrevista realizada por el Grupo Cultura Urbana - Chiclayo

 

“Los artistas somos la piel de la nación”: Entrevista con Mary Soto

Mary Soto Bringas es periodista, escritora y crítica de teatro. Su relación con este arte es sumamente profundo, y nos demuestra, además, que existen muchas formas de vivir el teatro. En esta entrevista, Mary Soto nos cuenta un poco sobre su trabajo y sobre su punto de vista en cuanto a la situación de la actividad teatral en el Perú.

Mary, ¿cuántos años en el teatro? ¿Qué crees que fue lo que despertó en ti el acercamiento al teatro?

Tengo muchos años en el teatro, desde la crítica y la investigación. La primera vez que hice teatro fue con Yego Teatro de Grupo, dirigido por Carlos Clavo, aunque fue en realidad una experiencia muy pero muy inicial a los 13 años de edad, me marcó definitivamente. Sin embargo yo creo que la fascinación con el teatro es más antigua en mi vida. Tenía 6 años y me llevaron a ver una velada que habían preparado los alumnos de secundaria. Pusieron en escena  “La vida es sueño”, para mí fue tan revelador y fantástico, quería quedarme en ese mundo de imaginación para siempre. A la chica que encarnó Rosaura nunca he podido llamarla por su verdadero nombre.

Los que estamos de alguna manera insertados en el mundo del teatro peruano sabemos que tenemos que aprender a hacer de todo para hacer realidad un estreno teatral, por ejemplo, nos convertimos en productores, promotores, actores, luminotécnicos, cosemos, planchamos, clavamos, etc. Tú, ¿qué cosas has hecho en el teatro?  ¿Desde donde acompañas al teatro?

En un principio fui actriz en la corta experiencia en Yego, pero luego me dediqué a la Crítica de Teatro y a la investigación teatral. Con el Movimiento de Teatro Independiente, he participado como organizadora y facilitadora de diversos procesos orgánicos, institucionales y otros.

¿Qué piensas del teatro peruano?

Que tiene mucha fuerza y versatilidad. Que hemos avanzado mucho bebiendo de nuestra raíces, de nuestras culturas pero también de la herencia occidental y por ello creo que es un teatro con identidad y calidad estética.

¿Qué crees que le falta al teatro provinciano?

Promoción, apoyo económico de parte del Estado para que pueda desarrollarse. También el esfuerzo desde los grupos para construir redes de intercambio que permitan desarrollarlo más y enriquecer otras visiones.

¿Crees que el centralismo también está instalado en el ambiente teatral peruano? ¿Crees en verdad que en Lima hay una intensión de compartir las cosas positivas que sirven para el desarrollo artístico con el resto del país?

El centralismo es una plaga que todo lo corroe y lógicamente el teatro no escapa de esa realidad clamorosa del país. El centralismo es objetivo y real, no se puede combatir sólo con buenas intenciones. Deben haber políticas de Estado y pasos concretos para desarrollar las regiones en todos los aspectos y así mismo esto se reflejará también en las artes.

Por otro lado, sí creo que en los grupos de teatro independiente que están en Lima hay una actitud solidaria frente a las regiones, eso lo hemos visto en nuestros espacios de intercambio, más antes que ahora.

Desde tu faceta de periodista  y promotora del teatro, ¿cuáles son los proyectos que tienes?

Mi gran proyecto es el Fondo Editorial para el Teatro, que siga publicando Textos de Teatro Peruano, dramaturgia peruana, investigación y pedagogía teatral.

Asimismo, persistir en acompañar el teatro que se hace en las regiones de manera prioritaria. Aportar a su visibilización y fortalecimiento.

Con el Ministerio de Cultura, ¿crees que el espectro teatral, artístico y cultural mejorará? ¿Percibiremos, los provincianos, los beneficios propios de un ente promotor, protector, alentador como el Ministerio de Cultura?

Debemos exigir que así sea, sin embargo también debemos tener claro que esos entes la mayoría de las veces son burocráticos y responden a intereses personales y de élites. Por ello creo firmemente en la organización y la demanda de los derechos de parte de los verdaderos protagonistas del arte y la cultura en nuestro país.

Acabamos de celebrar el Día Mundial del Teatro. En honor a esta fecha, ¿qué le dirías a los compañeros teatristas de todo el Perú?

Que continuemos llevando la esperanza en nuestras alas, que cada día se levanten los telones con más fuerzas y más cercanos a los destinos de nuestro país, pues los artistas somos la piel de la nación, somos la voz de los que no tienen voz y el corazón que palpita por todos.

MAURICIO DE LA PARRA EN LA MEMORIA TEATRAL LATINOAMERICANA

Conocí a Mauricio De La Parra en el verano del 2009, los primeros días del año en el marco del Festival Internacional de Teatro Zicosur en Antofagasta, Chile. Desde el primer instante, allí con la brisa corriendo por el Anfiteatro del Parque Croata pude percibir que se trataba de un hombre de fuertes convicciones y mano caliente. En esa oportunidad se abría el telón ante la primera noche del festival que con tanto esfuerzo y cariño -año a año- dirigen Angel Lathus y su esposa Teresa Ramos.

“Ahora todos mis amigos son calles” y “La casa de Dios” son los montajes, cuya dirección teatral he podido apreciar. En sus líneas directrices se expresa su profunda humanidad, la apuesta por aquellos valores sustanciales como la justicia, la verdad y la solidaridad. Imaginación, memoria y versatilidad son las claves de ambos espectáculos.

Padre de los Temporales Teatrales de Puerto Montt -como es reconocido en su tierra- Mauricio De La Parra fue un hombre cuyo aporte a la cultura latinoamericana es innegable. Es una presencia que siempre nos hará falta. Es una fuerza que alentará nuestra lucha por el teatro, por la vida y por la esperanza.

Recorrimos juntos varios lugares de Antofagasta y luego de su querido Puerto Montt, conversamos incansablemente de teatro, de política, de los duros años de la resistencia a la dictadura y de nuestro gran sueño por una Latinoamérica unida y próspera, donde sus creadores tengan la oportunidad de desarrollar el arte a los cuatro vientos, llevando cultura y belleza a todos los confines.

Ahora, en los amigos eternos Rodrigo, Gabriela y en su amada Paulina, pero sobre todo en las nuevas generaciones de teatristas, que de seguro continuarán abriendo las puertas del sur de Chile al teatro, allí lo veremos siempre. Cada vez que se eleve el telón de Los temporales Teatrales de Puerto Montt, Mauricio De La Parra estará presente.